El arte latinoamericano que está transformando los museos americanos: lo que necesitas saber para verlo con otros ojos

Las salas permanentes que durante décadas presentaron principalmente arte europeo y angloamericano están siendo reorganizadas, expandidas y complementadas con adquisiciones y exposiciones que por primera vez ponen el arte latinoamericano no en el margen de la historia del arte occidental sino en su centro. Para las mujeres latinas en EE.UU. que visitan estos museos, esa transformación tiene implicaciones que van más allá del placer estético: es la visibilización en el espacio de mayor legitimidad cultural disponible de una tradición artística que durante décadas fue ignorada, subestimada o folclorizada por las instituciones que definen qué cuenta como arte importante.

Por qué el arte latinoamericano estuvo ausente de los grandes museos americanos

El sistema del arte se construyó bajo supuestos que naturalizaron el arte de las culturas anglosajona y europea como el arte universalmente relevante y trataron el arte de otras tradiciones como arte local, étnico o folclórico con menor prestigio. El arte latinoamericano fue especialmente afectado porque existía en el espacio entre dos categorías que el sistema del arte tradicional no sabía bien cómo manejar: no era suficientemente europeo para ser tratado como arte de la tradición occidental, aunque muchos de sus artistas más importantes tuvieron formación en Europa, y no era suficientemente ajeno como para ser tratado con el interés antropológico que el sistema del arte a veces dedicó a las tradiciones completamente no occidentales.

Los movimientos y los artistas que están en el centro de esta transformación

El arte concreto y neo-concreto brasileño de los años 50 y 60 es uno de los movimientos más importantes que los museos americanos ignoraron durante décadas. Artistas como Hélio Oiticica, Lygia Clark y Lygia Pape produjeron obras que no solo dialogaban con la abstracción geométrica europea y americana de su época sino que la transformaron en direcciones completamente originales, especialmente en la dimensión de la participación del espectador en la obra. Diego Rivera y Frida Kahlo son los artistas latinoamericanos más conocidos en EE.UU. y también los más frecuentemente reducidos a versiones simplificadas de sí mismos: verlos con ojos más completos produce una experiencia completamente diferente frente a sus obras.

Cómo ver el arte latinoamericano con mayor profundidad

Hay algunas preguntas que pueden funcionar como guías en la sala del museo. ¿Desde qué tradición o en diálogo con qué tradiciones habla esta obra? El arte latinoamericano raramente existe en aislamiento de las tradiciones artísticas europeas y americanas: los artistas latinoamericanos las absorbieron, las transformaron y frecuentemente las cuestionaron desde perspectivas que las propias tradiciones no podían producir desde adentro. ¿Qué condiciones históricas y políticas rodearon la producción de esta obra? Las obras del arte latinoamericano del siglo XX son inseparables de las revoluciones sociales, las dictaduras militares y los debates sobre la identidad nacional que determinaron sus condiciones de producción.

El arte como conversación que nunca termina

El arte latinoamericano no está siendo incorporado a los museos americanos como un gesto de generosidad de instituciones que finalmente decidieron incluir lo que siempre estuvo disponible. Está siendo incorporado porque décadas de trabajo de artistas, curadores, críticos y comunidades latinas que presionaron contra una exclusión que nunca fue neutral ni inevitable produjeron el reconocimiento que esas instituciones postergaron durante demasiado tiempo. Verlo con esa conciencia histórica no reduce el placer estético de las obras. Lo amplía hacia algo que es simultáneamente estético, histórico y político, que es exactamente la dimensión que el mejor arte de cualquier tradición siempre ha tenido.